La fortuna nell’arte: come pittori e scultori hanno rappresentato la sorte

Dalle tele del Rinascimento alle incisioni popolari del Settecento, l’arte ha sempre cercato di dare un volto a ciò che per definizione è invisibile: la fortuna. Raffigurata ora come una divinità, ora come un’estrazione frenetica in una piazza affollata, la sorte è stata per secoli la musa di grandi maestri. Ma come si è passati dal mito alla rappresentazione delle prime lotterie storiche?

L’iconografia della Fortuna: la benda e l’equilibrio

Nell’arte classica e rinascimentale, la Fortuna non è mai statica; è una forza inarrestabile e spesso capricciosa.

• “La Fortuna” di Guido Reni (1637): in questo celebre dipinto, la Fortuna è una figura femminile che vola sopra il mondo, tenendo in mano una corona e uno scettro. Il dettaglio fondamentale è che la dea sembra sfuggire alla presa: un’allegoria perfetta della vincita che può arrivare e volare via in un istante, sottolineando l’imprevedibilità tipica di ogni estrazione.
• “La Piccola Fortuna” di Albrecht Dürer: qui la dea è bendata e in equilibrio su una sfera, a indicare che la sorte non guarda a chi distribuisce i suoi doni e che la sua natura è intrinsecamente instabile e democratica.

Il teatro sociale delle lotterie urbane

Con la nascita delle lotterie moderne tra il XV e il XVIII secolo, l’arte smette di essere solo simbolica e diventa documentaria, catturando il fervore delle piazze.

• “L’estrazione del Lotto in Piazza di Montecitorio” di Panini (XVIII secolo): questa opera è una testimonianza eccezionale di come la lotteria fosse un grande evento pubblico a Roma. Il dipinto mostra una folla immensa e variegata raccolta sotto il balcone da cui venivano annunciati i numeri. È il ritratto della speranza collettiva: nobili e popolani sono uniti dallo stesso sguardo rivolto verso l’urna.
• Le incisioni di Giuseppe Maria Mitelli: questo artista bolognese del XVII secolo dedicò diverse stampe ai giochi popolari e alle lotterie, rappresentando con ironia e realismo la “fabbrica della fortuna”. Le sue opere ci mostrano che la lotteria era già allora un fenomeno di costume capace di coinvolgere l’intera società.

Il Settecento e il fascino del Lotto nell’arte veneziana

Venezia, città del gioco per eccellenza, ha visto artisti come Pietro Longhi ritrarre momenti di vita quotidiana legati alla ricerca della fortuna. Nelle sue scene di genere, il gioco non è più solo un evento di piazza, ma un rito sociale che si consuma nei caffè o nelle case patrizie, diventando una forma di intrattenimento elegante e una fonte inesauribile di conversazione.

La modernità: il biglietto come opera d’arte

Tra l’Ottocento e il Novecento, l’arte della fortuna esce dalle cornici e finisce nelle mani della gente. I biglietti delle lotterie iniziano a essere curati da grandi illustratori e grafici. In Italia, i tagliandi della Lotteria Italia o della Lotteria di Tripoli degli anni ’30 sono diventati pezzi da collezione. Utilizzavano simboli augurali, cornici barocche e figure allegoriche, trasformando un semplice pezzo di carta in un’opera d’arte in miniatura. Il design del biglietto serviva a evocare il prestigio del premio e la magia del momento dell’estrazione.

Un legame indissolubile

L’arte ci insegna che la lotteria è molto più di un semplice sorteggio: è una rappresentazione visiva della speranza. Ogni volta che un pittore ha dipinto un’urna o una dea bendata, ha cercato di catturare quell’istante magico in cui la vita può cambiare. Ancora oggi, osservando queste opere, riconosciamo la stessa emozione che proviamo davanti a un’estrazione moderna: il fascino intramontabile dell’imprevisto che si fa bellezza.